Dentro del universo imaginario de violenta crueldad del visionario Frank Miller, el cómic ‘300’ siempre ha supuesto un material más que sugerente para una posible adaptación a la pantalla.

            La impecable traslación que hace Zack Snyder del original no se limita a ser absolutamente fiel, sino que utiliza el cómic como un croquis perfecto y adapta cada uno de las viñetas en fotogramas que superan con creces lo visionado en los dibujos de Miller.

            Entrar a juzgar aquí la veracidad histórica del relato carece de sentido alguno. Nos encontramos frente al juego comiquero de un enfant terrible y sus flirteos con el celuloide. La historicidad es, pues, lo menos relevante del contenido del filme.

            El material de partida deja sin embargo al libre albedrío la caracterización de los personajes, de los cuales sólo los reyes espartanos se salvan del total desdibujo, desprovistos de contenido alguno o de evolución que haga entrever cualquier atisbo de desarrollo en sus convicciones.

            El argumento es básicamente un embudo, una excusa para juntar a una maraña de valientes soldados envueltos en una vestimenta propia de la cultura pop del dibujante y encaminarlos a una batalla sin tregua alguna, tanto estética como argumental.

            ‘300’ centra toda su fuerza en el apartado visual, y en este sentido supone una auténtica proeza. La película, visualmente perfecta en cada fotograma, se recrea en imágenes y en efectos, ensalza las virtudes del cómic y potencia los contrastes, los colores y la magia de los efectos digitales, y trata de apoyarse en un cine absolutamente moderno, cine del nuevo milenio asentado en la brutalidad de la historia y en la épica del argumento.

            Pero conforme avanza, conforme los minutos pasan y nos acostumbramos a ese lenguaje narrativo y a esas piruetas visuales, la película empieza a perder su fuerza, abandona su sentido y se esclaviza a su propio preciosismo visual. Se pierde en sus cámaras lentas, en el regocijo con el que venera ciertas poses, ciertos momentos, se pierde en su recreación perfecta del mundo onírico de Miller y abandona la concepción del ritmo, se esclaviza a la estructura argumental del cómic y desecha a los espectadores que no se hayan entregado hasta ese momento al mundo del cómic como lenguaje puramente cinematográfico.

            Gerard Butler realiza una creación soberbia de Leónidas, pero incluso su histrionismo y violencia desmesurada terminan por resultar excesivas, cargantes en demasía, y como toda la película, acaba saturando por ofrecer siempre un solo estímulo, un solo valor cinematográfico: la traslación perfecta de una obra brutal y contundente de uno de los autores más transgresores de nuestro tiempo. 

            El primer trabajo de Juan Carlos Falcón tras la cámara no sólo es una bocanada de aire fresco a un panorama cinematográfico nacional pobre en demasía, sino que abre las puertas a nuevos proyectos producidos en las islas, con intenciones firmes de ofrecer continuidad en el tiempo.

            La Caja adapta un material literario de gran calidad a un guión que no ha pasado el filtro de lo que pertenece puramente al cine. Las aristas del teatro aún quedan latentes en los personajes, en las situaciones e incluso en la planificación del rodaje, que se muestra a veces escueta en demasía por requerimiento de la historia.

            Ángela Molina, maravillosa en el papel principal, ingenua al comienzo y experimentando un descubrimiento absoluto de su propia vida, llena de matices un personaje simple en su planteamiento pero que la actriz dota de una maravillosa vida propia.

            Elvira Mínguez ofrece posiblemente la actuación más brillante, una creación sobresaliente apoyada en gran parte por un contrariado personaje con grandes momentos para el lucimiento de la actriz.

            Antonia San Juan, con su acostumbrada sobreactuación, se encarga del lado humorístico, de suavizar la crudeza de las historias familiares sin perder de vista el talante del resto de la película. El resto de actores aportan su grano de arena a esta historia que se antoja casi coral y que regala hermosos momentos a cada uno de ellos aún en sus pequeñas apariciones.

            La dirección de actores es excelente, ofrece interpretaciones contenidas pero llenas de fuerza, creíbles en un relato que se acerca progresivamente a lo surrealista y que pierde en ocasiones el sentido de la realidad para tratar ésta con humor y volver a ella con la veracidad y crudeza que ésta merece.

            Un diseño de producción digno y sencillo ayuda a encauzar la historia a lo esencial, a centrar los escenarios encuadrados en las actuaciones de sus estupendas actrices, en supeditar el fondo al personaje y no condicionarlo a través de éste.

            Magnífica película, plena, sugerente, sencilla y contenida, que regala momentos intensos de buen cine, y que es el punto de partida de un nuevo cine hecho en canarias, solvente y de gran calidad, con un lenguaje e identidad propios.

        Acaparadora de premios y elogios durante el pasado año, la mejor película alemana desde ‘El hundimiento’ se presenta, ya desde los primeros minutos, embarcada en una historia épica que no se detendrá ya hasta su electrizante resolución.

            Con un actor principal soberbio recreando a un fantástico personaje que sufre un cambio radical en su ideología y sus valores por la dureza de las circunstancias, la película avanza sigilosamente mientras éste espía a una pareja de artistas, magníficamente recreados también, y somos testigos de esa escucha silenciosa de la que se nos hace partícipes con una facilidad pasmosa gracias a la habilidad narrativa de su director y a la agilidad de su guión.

            Fotografía, música y montaje se dan la mano para llevarnos a ese universo ochentero casi claustrofóbico, lleno de intrigas y de injusticias políticas de las que el autor parece distanciarse y no criticar, sino usar el doble juego moral de justificarse en que muestra la realidad tal como sucedió. 

Un epílogo largo en demasía pero que ayuda a cerrar la historia con gran belleza y dejar un buen sabor en el espectador contribuyen a redondear una película a veces fría en exceso, distante con sus personajes en la manera de abordarlos, pero cuya trama no deja indiferente  por ese verismo radical con el que está contada.

            Ópera prima del director alemán Donnersmarck (a quien habrá que seguir con lupa) que deslumbra por su fluidez narrativa, su pulso y su garra, y que aúna fuerza y valentía al mirar a la historia de la Alemania reciente y contarla con crudeza y realismo, se convierte en una de esas películas fáciles de seguir preferidas por crítica y público, que ante lo accesible de su discurso y grandeza del tema creen encontrarse ante una obra maestra.

            En el emergente mundo cinematográfico surcoreano brilla con luz propia la creación de cine de autor, encaminado más a la recreación de sentimientos muy cercana a una nouvelle vague estilizada y de nueva hornada tocando por encima la crítica social.

            Hong Sang Soo, acérrimo practicante de este tipo de cine durante las dos últimas décadas, cuenta una historia aparentemente tan intrascendente como las vicisitudes cotidianas de unas pocas personas que se conocen durante un fin de semana.

            Más cercano al cine de Eric Rommer que a sus referentes culturales más cercanos, Soo construye un profuso estudio, casi accidental, sobre el comportamiento de ambos sexos en las relaciones, tanto de amistad como de pareja, y los muestra con desgarro y desengaño, con crudeza y realismo, edulcorados por la profusa presencia de luces naturales muy intensas que embellecen cualquier atisbo de tristeza.

            El tratamiento natural y luminoso que imprime a la estética del filme choca con su simplista forma de rodar. El director contradice su estilo al hacer chocar sus influencias unas con otras: el preciosismo visual y contemplativo del cine asiático unido a los planos generales fijos típicos del cine francés de los setenta y ochenta.

            Soo se centra y se apoya en sus actores, en la exploración exhaustiva de sus personajes, y deja que interactúen entre ellos mientras los observa con cariño y experimenta con mimo esas relaciones, dando a cada una de ellas un sentido que parece diluirse en la cotidianidad del relato.

            Soberbios actores, ayudados por personajes fuertes y bien construidos, que ayudan a hacer la película creíble y disfrutable. La fuerza del discurso sin embargo parece desaparecer en ese vaivén de relaciones sin sentido aparente, y la resolución parece hacerse de rogar en el momento en que las historias dejan de avanzar.

            Con una deliciosa mezcla entre road movie y ‘cuento de verano’, la película guarda dentro de sí incontables temas profundos sobre los que reflexionar contados con una pasmosa naturalidad, pero demasiado ocultos tras ese entramado formal sobre el que resbala incapaz el espectador.

La nueva película de Roland Joffé, director que parece haber perdido todo aquello que tenía que contar desde sus epopeyas de los años ochenta que retrataban con crudeza y con una belleza poética las injusticias del otro lado del atlántico, firma una cinta absolutamente convencional en los cánones del thriller más comercial.

   Rodada con cierto gusto, con una fotografía soberbia y una elección de los planos muy correcta, el material de base, un guión nefasto, impide que la película salga a flote, totalmente ahogada por todos los tópicos del género y por un cargamento de suspense mal resuelto a base de golpes de efecto previsibles hasta las últimas consecuencias.

   El potencial de los actores principales y de la idea de partida se desaprovecha casi desde el comienzo y a partir de ahí sólo cabe presenciar la debacle de un producto tanto como del cineasta que la dirige.

    Propuesta fallida del director en su acercamiento al thriller, por una elección lamentable en el material a rodar, que posiblemente sea obra de encargo. Recemos para que sea eso.