‘Una Palabra Tuya’ recoge el testigo de algunas de las mejores películas españolas de directores noveles de los últimos años y alarga su discurso con elogiosa convicción. Aunque la película no ha tenido una campaña de promoción a la altura de la belleza de lo que cuenta (que quede patente por el inexistente material de prensa que puede encontrarse sobre ella), su mensaje llega cristalino a aquel espectador que ha tenido la suerte de encontrarla.

A partir de la novela homónima de Elvira Lindo, la directora Ángeles González-Sinde elabora una película emotiva y compensada por dos personajes muy diferentes que comparten un universo común por el azar de sus existencias.

Malena Alterio encarna a alguien moldeado por sus malas experiencias en la infancia, se muestra agresiva y aprensiva con quienes la rodean y trata de mantenerse a flote a pesar de las dificultades que atraviesa y su soledad apremiante.

Esperanza Pedreño encarna otro tipo de soledad, y es una soledad que se lleva con la felicidad que da el tomar la vida con alegría. Su vida es en apariencia mucho más mediocre, pero se aferra a su amiga con afecto incondicional y ayuda a poner en pie algo más grande que ellas mismas y que no alcanza a entender.

Las dos actrices encarnan con pasión y garra sus personajes, dos creaciones excelentes que compensan y dan fuerza a una película que sostiene, respira y vive gracias a ellas y a su constante credibilidad.

A pesar de las aparentes dificultades presupuestarias que a veces acusa la película, el resultado final ofrece un digno relato de superación personal, amistad infinita y la búsqueda constante de uno mismo en un mundo que aprieta y también ahoga, en situaciones extremas y en personajes también extremos.

Su directora maneja la película con la misma convicción con que maneja a sus actrices. El tempo de las secuencias y el desarrollo de la historia es tan adecuado como efectivo, y su mano omnipresente ayuda a conducir algunos de los mejores momentos de la película, momentos de auténtica fuerza cinematográfica, como un maravilloso monólogo de Esperanza Pedreño en la oscuridad de la noche, sincerándose ante una amiga que parece no corresponderle en la misma medida.

La falla insalvable de la película queda relejada en la imposibilidad del traspaso de todos los elementos de la novela a la pantalla. El ritmo queda apesadumbrado en numerosas ocasiones para tratar de resolver todas las tramas, y a pesar de utilizar recurrentes flashbacks para presentar el pasado de ambas niñas, la reiteración excesiva de explicaciones y aclaraciones ensombrece tanto el ritmo como la calidad de la película.

Una interminable coda final ayuda a arruinar buena parte de los logros del filme, que aún así permite que permanezcan incólumes alguna de sus mejores virtudes: la amistad sin condiciones, el azar de la vida y cómo juega en nuestra contra y nuestro favor al mismo tiempo, todo el sentido que ha perdido la religión en la sociedad contemporánea, el significado de las otras personas en nuestras vidas, la importancia de la valentía, la honestidad, el amor… todo queda maravillosamente reflejado. Y nosotros en ella. 

Hay un tipo de cine, donde se integra la animación como uno de sus géneros predilectos, en el que muchas barreras de la lógica se rompen y la libertad creativa es aún mayor. Esa libertad es capaz de alumbrar obras con planteamientos extremos, donde tengan lugar ideas cercanas al absurdo o propuestas tan brillantes como radicales.

‘Wall.e’ es uno de los mayores ejemplos de este tipo de cine en esta década propensa a la mediocridad argumental y la apatía a rebasar los límites de lo preestablecido. Que Pixar se haya propuesto hacer la película infantil de ciencia-ficción por excelencia dice mucho del riesgo y de la absoluta genialidad de su equipo creador.

Propone, desde su sobrecogedor comienzo, una odisea apocalíptica ambiciosa y poderosa, sin el uso de la palabra como herramienta, una ausencia total de vida humana y un paisaje desolador que pone de manifiesto la enorme magnitud de sus ideas. En ese marco futurista (y de un realismo que asusta) acontece un sencillo milagro artístico de factura técnica impecable y de alcance monumental.

En un planeta tierra desolado por la contaminación y las radiación sólo quedan los vestigios de la civilización y un único aparato que aún realiza la mecánica tarea para la que fue programado y que parece carecer ya de sentido. Un robot que aún persiste y que termina atesorando en su soledad universal todas las emociones y anhelos de un ser humano.

La historia de ‘Wall.e’ es bien sencilla, y a pesar de ciertos y apreciables errores en algunos aspectos de su narración, habla con gran acierto sobre temas universales y profundos, desde el prisma contradictorio que supone el que los protagonistas sean robots sin emociones personales aparentes:

La capacidad infinita del amor de traspasar fronteras, de unir mundos diferentes, de devolver la vida a una placa de memoria oxidada, de transformar vidas enteras, cómo ese amor obliga a quien lo toma a abandonar todo cuanto conoce, a lanzarse a la aventura de lo desconocido, de la relación donde cada paso es un descubrimiento mutuo.

Cómo la ‘instrucción’ para la que fue creada una máquina es capaz de cambiar. Cómo nuestros sueños y nuestras metas se moldean a través de la relación con los demás, y lo hermoso de que a pesar del cambio, sean los demás quienes nos ayuden a afrontar nuestra meta original, nuestro sueño primero y único.

Cómo el hombre puede perder toda su humanidad y que ésta sólo permanezca en los objetos que hemos creado, que terminan impregnados de nuestra esencia. Que finalmente sea el contacto con ellos lo que nos devuelva esa parte de humanidad que hemos perdido.

Cómo el origen de la vida, la naturaleza, es un bien preciado que debemos conservar, tratándolo como el primer y único eslabón que nos conecta al mundo, un derecho que muchas veces damos por supuesto y somos capaces de olvidar su magnitud. (‘Wall.e’ va más allá del hecho de ser producida en una época en que la temática del medio ambiente vende mucho, sino que trata el tema de una manera universal y de mirada absoluta)

En ese contexto de silencio total, de ausencia de vida, Pixar apuesta por un uso evidente del humor más célebre del cine mudo (Chaplin, Keaton) y reinventa así nuevamente la historia del cine para acercarla a las nuevas generaciones. En ella el cine clásico (también aparecen imágenes de musicales clásicos, un detalle nostálgico que reivindica unos referentes que siguen siendo importantes, digno de aplauso) le da la mano a la tecnología moderna y a un cine que trata de mirar hacia el futuro y que no se detiene.

Llama la atención la convicción de su propuesta y la perfección absoluta en la ejecución, y es que cuando una cucaracha como mascota resulta entrañable, es que algo pasa. El nivel visual de la película es de antología, desde los asombrosos efectos de luz a la pasmosa calidad gestual de unos protagonistas ‘inanimados’, pasando por la maravillosa paleta de colores seleccionada con mimo y pulida con detalle. Destaca la presencia del fotógrafo Roger Deakins como asesor en la tarea de iluminación de toda la película.

No permanecen en armonía con el resto de la película la desafortunada entrada en escena de personas humanas, los ya citados errores narrativos en un guión que a veces toma caminos demasiado evidentes y otros demasiado enfangados, y un Thomas Newman que, en una película muda donde la música debería brillar a un nivel excepcional, vuelve a entregar un trabajo opaco, muy descriptivo y bien orquestado pero sin esencia alguna, muy rítmico como en toda su producción pero, también como de costumbre, carente de sustancia y profundidad.

Pixar da un nuevo (y monstruoso) paso adelante en la creación audiovisual y en la narrativa de la animación infantil para elaborar una fábula con sabor a clásico imperecedero, un cine de planteamientos extremos de espada muy bien afilada, que asume con convicción absoluta sus riesgos y donde el arte brilla en todos los aspectos de las disciplinas creativas. Una joya con pretensiones sencillas pero, al igual que el robot protagonista, que atesora todas las emociones humanas, la película es capaz de atesorar un alcance emocional monumental.

* La proyección de ‘Wall.e’ incluye también el cortometraje ‘Presto’, una divertidísima comedia realizada también a un nivel técnico asombroso, una delicatessen muy apropiada para el largometraje que precede.

‘La Momia 3’ no es la tercera entrega de esta saga interminable que trató de emular a finales de la década pasada y principios de ésta el tono de aventuras y humor de héroes como Indiana Jones y poner de actualidad al mito a través de otros personajes (ese deseo frustrado finalmente ha cobrado vida en la pantalla gracias a Spielberg y a una total ausencia creativa).

Se trata en realidad de la quinta entrega, pues existen de por medio subproductos y tele-series con el universo de la momia como protagonista, toda una franquicia que se ha sabido explotar y dilatar en el tiempo y que vuelve a aflorar ahora en lo que promete no ser la última aventura de sus personajes.

El problema aquí, cosa que no sucedía en las otras, es que amparándose en que los efectos especiales sostengan la película, nadie intenta ir más allá y la apatía se apodera de todos y cada uno de los elementos del filme para abocarlo a una planicie narrativa llena de fuegos artificiales.

Sin embargo lo que promete, lo cumple con creces. Esa pirotecnia parece no ser gratuita y estar siempre al servicio de una historia fantástica que, aunque parezca escrita para (y por) niños, alcanza cotas de una imaginación desbordante que saben convertir en realidad absoluta sus asombrosos efectos visuales.

La aventura intenta trazar un relevo generacional (como ya ocurriera con ‘Indiana Jones’) y traspasar parte del argumento al hijo ejemplar de la familia de héroes. Sin embargo nadie parece estar aquí a la altura de las circunstancias y las lamentables escenas que no son de acción resultan, en el mejor de los casos, escenas de humor.

Lamentable es también la ausencia de Rachel Welsz, única actriz que aportaba cierta dignidad al producto y que aboca a éste a una irremediable mediocridad actoral de la que no escapa ninguno de quienes trabajan en ella.

‘La Momia 3’ se encuentra a la misma altura que el resto de superproducciones de aventuras de los últimos años, un género que ha conseguido convertir en realidad los mitos más fantásticos e inverosímiles con preciosos trasfondos y sorprender con su realización y factura visual, pero donde la dirección, la historia de sus personajes y sus actuaciones resulta tan falta de credibilidad que ahogan cualquier intento de firmar una película que vaya más allá del mero entretenimiento.